はじめに：謎のピッチ低下をめぐる考察
日本が誇る天才ミュージシャン・藤井風さんの楽曲には、かねてから一つの秘密があると指摘されていました。
それは彼のピアノ作品が、通常の国際標準ピッチ（A=440Hz）よりも低い周波数で制作されているという事実です。
特に「まつり」「満ちてゆく」「花」といった代表曲では、A=432Hzという、いわば「ヴェルディピッチ」と呼ばれる周波数が採用されていることが、ネット上で話題となっていました。
音楽ファンや音楽理論家たちの間では、この「ピッチ下げ」の意図についてさまざまな推測がなされていました。
古典音楽の伝統に立ち返りたいのか、それとも癒し効果を狙った意図的な選択なのか――その真実は長らく謎のままでした。
しかし2025年8月31日、テレビ朝日系の音楽情報番組「EIGHT-JAM」（旧「関ジャム 完全燃SHOW」）に藤井風さんが登場し、120分に及ぶロングインタビューを行った際、ついにこの長年の疑問に答えが出たのです。
EIGHT-JAM出演で明かされたピッチ選択の真実
今回の「EIGHT-JAM」での放送では、Yaffle、STUTS、清塚信也、江﨑文武といった、藤井風さんの音楽制作に携わってきた実力派ミュージシャンたちがスタジオに集結しました。
また、川谷絵音、Vaundy、Awich、TAIKING（Suchmos）といったプロデューサーやアーティストたちからは、事前に質問やメッセージが寄せられていました。
番組の中で、これまで数多くの人々が謎だと感じていた「ピッチ432Hz」の採用理由について、ついに本人から説明されたのです。
本人の言葉：「9という数字が好きだから」
驚くべきことに、藤井風さん自身の説明は意外とシンプルでした。
432という数字を見つめると、4＋3＋2＝9となります。
彼は「9という数字が好きで、それで432Hzにしている」と述べたのです。
これは音楽理論的な深い意味よりも、むしろ数字のニュメロロジー（数秘術）的な美学に基づいた選択だったわけです。
音楽評論家やリスナーたちが、古い音律の伝統や自然の調和を求めた深い哲学的背景を推測していたのに対し、本人の答えはより直感的で、個人的な好みに根ざしたものでした。
ピッチ432Hzについての基礎知識
今回の発表により、多くの人が改めて「432Hz」という周波数について関心を深めました。
この機会に、この周波数について理解しておくと良いでしょう。
440Hzと432Hz：何が違うのか
現代のほぼすべての音楽は、国際標準ピッチであるA=440Hzで調律されています。
1939年に国際標準として統一されたこのピッチは、楽器メーカーから出荷されるピアノやギター、その他あらゆる楽器に採用されています。
一方、432Hzは、かつてモーツァルトなどの古典音楽家たちの時代に標準として用いられていたピッチです。
また、シュタイナー学校（ルドルフ・シュタイナーの教育理念に基づく学校）でも432Hzが採用されていることで知られています。
聴感覚的な違い
440Hzと432Hzを実際に聴き比べると、その違いは歴然としています。
440Hzは明るく、活動的で、直線的な音響特性を持ちます。
一方、432Hzはより穏やかで、柔らかく、丸みを帯びた音響特性があります。
多くの音楽関係者や愛好家は、432Hzで聴くと「心が落ち着く」「リラックスできる」と報告しており、これがヒーリング音楽のミュージシャンたちに好まれている理由の一つとなっています。
藤井風のピッチ選択と音楽表現
ここで注目すべきは、藤井風さんがこの「ピッチ432Hz」という選択を、あくまで実験的に行っているという点です。
EIGHT-JAMのインタビューで、彼は「分かりません」「実験中」という言葉を繰り返していました。
これは、理論的に完全に決定されたものではなく、試行錯誤の過程にあることを示唆しています。
すなわち、彼は「9という数字の美しさ」と「432Hzの音響特性」の組み合わせを試している途上にあるということです。
曲によって異なるピッチの採用
また注目すべきは、藤井風さんの全ての楽曲が432Hzであるわけではないという点です。
アルバム『Prema』のような最新作では、曲ごとに異なるピッチが採用されているとも指摘されています。
つまり、各楽曲の表現意図に応じて、最適なピッチが選択されているわけです。
「満ちていく」や「花」は432Hzの代表作として知られていますが、他の曲では異なるピッチが用いられていることもあります。
これは、彼が単なる「432Hz推し」ではなく、より柔軟で実験的なアプローチを取っていることを示しています。
グランドピアノではなくキーボードの理由
EIGHT-JAMでのインタビューで、もう一つ興味深い事実が明かされました。
432Hzという周波数で楽曲を制作する際、グランドピアノではなく電子キーボード（キーボード）を使用しているということです。
これには理由があります。
物理的なグランドピアノを432Hzに調律することは極めて困難です。
ピアノの弦を物理的に調整するには、楽器全体の微細なチューニングが必要になり、コストと手間がかかります。
しかし電子キーボードやデジタルピアノであれば、設定を変更することで簡単に432Hzの音を出すことができます。
藤井風さんが愛用しているRoland製の電子ピアノ「GO:PIANO 88」は、このような周波数調整に対応できる機器です。
Yaffleとの協働による音響制作
音楽プロデューサーのYaffleとの協働について、インタビューで興味深いエピソードが語られました。
電子キーボードで制作された432Hzの楽曲音源を、あたかも本物のグランドピアノで演奏されたかのように聴こえるよう、Yaffleが後処理を施しているというのです。
「満ちてゆく」などの楽曲を聴くと、壮大なグランドピアノの響きが聞こえます。
しかし実際には、その音源の多くは電子キーボードで制作されており、Yaffleの音響処理の技術によって、より本物のピアノに近い響きにされているわけです。
これは、現代音楽制作における、アナログとデジタルの融合を象徴する一例といえるでしょう。
古い音律の伝統との関係
世間一般には、432Hzの選択が「古い音律への回帰」を意味すると考えられています。
実際、432Hzはヴェルディピッチとも呼ばれ、19世紀のオペラ作曲家・ジュゼッペ・ヴェルディが標準としていた周波数です。
またスピリチュアルな音楽愛好家の間では、432Hzが「自然の調和」や「宇宙の周波数」と関連付けられることもあります。
432Hzは黄金比率や天体の運行と関係があるという説も存在します。
しかし藤井風さんのインタビュー内容から判断すると、彼のピッチ選択は必ずしもこうした伝統的または神秘的背景に基づくものではなく、より直感的で個人的な美学に根ざしたものと考えられます。
リスナーへの影響と癒し効果
では、実際に432Hzで制作された楽曲を聴くリスナーたちは、どのような体験をしているのでしょうか。
多くのファンが、藤井風さんの楽曲――特に432Hzで制作されたものを聴くと、「心が落ち着く」「疲労が軽減される」「深い瞑想状態に入れる」といった感覚を報告しています。
これは科学的にも、低い周波数が人間の副交感神経を優位にし、リラックス状態を促進することが知られていることと関連しています。
藤井風さん本人は、このような癒し効果を狙って意図的に432Hzを選んでいるとは明言していません。
しかし結果として、彼の楽曲がリスナーに与える深い心理的影響は、432Hzという周波数の選択によって、無意識的に最適化されている可能性があります。
関ジャムでの他の貴重な発言
ピッチについての説明以外にも、EIGHT-JAMでは多くの貴重な情報が明かされました。
藤井風さんは、ピアノについて「毎日触れている」「ライブ時のスタミナ維持のため、純粋なトレーニングを続けている」と述べました。
また、自身のピアノ奏法が楽譜から逸脱することについて、「左手で弾く箇所を右手で弾く」など独自のアプローチを取っていることも明かされました。
ボーカルトレーニングについては、専門家による「声帯を鍛えたり柔らかくしたりするトレーニング」を1時間みっちり行っていることが語られました。
これは、単なる歌唱技術の向上ではなく、身体的な基礎体力づくりとしてのアプローチです。
音楽的には、SWVの「Weak」に見られるような「オシャレなコード進行」に感銘を受け、ピアノの前で長時間かけてその正体を探ったというエピソードも紹介されました。
実験的姿勢の継続
EIGHT-JAMでのインタビューを通じて見えてくるのは、藤井風さんの音楽に対する一貫した「実験的姿勢」です。
432Hzについても「分かりません」「実験中」と述べる彼の態度からは、理論や伝統に縛られるのではなく、常に試行錯誤を繰り返すアーティストの姿勢が伝わってきます。
9という数字が好きだから432Hzを選ぶ――このシンプルさと、その結果として生み出される深い音響体験とのギャップは、まさに彼の創作過程の本質を表しているのです。
おわりに：謎から実験へ
長年謎だった「藤井風のピッチ432Hz」の採用理由は、実は意外とシンプルでした。
スピリチュアルな背景でも、音楽理論的な深い検討の結果でもなく、単に「9という数字の美しさ」という個人的な美学に基づいたものだったのです。
しかし、その個人的な選択が、無意識的に結果として生み出した深い癒し効果と音響的な美しさは、決して偶然ではありません。
理論を超越した直感が、最適な音を導き出している――これは、藤井風さんのアーティストとしての天才的な側面を如実に物語るエピソードと言えるでしょう。
EIGHT-JAMでのこの発表により、彼の音楽制作における秘密は一つまた一つと明かされていく一方で、その核心にある「実験的で直感的な創作姿勢」は、これからもリスナーたちを魅了し続けるのではないでしょうか。
次のアルバム『Prema』でも、彼がどのようなピッチの実験を行い、どのような新しい音響世界を提示するのか。
その試行錯誤の過程こそが、現代の最も重要な音楽表現の一つとなっているのです。
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